Le corps de Gamblin

En compagnie du groupe SMV qui ce jeudi soir se regroupait pour aller au Théâtre du Rond Point, j’ai eu l’occasion de voir la pièce jouée par Jacques Gamblin accompagné des danseurs Claire Tran et Bastien Lefèvre, « Tout est normal mon coeur scintille« .

Dès le début on est mollement plongé dans ce qui ressemble au jeu d’acteur prétentieux – jamais loin des références artistiques qui rassurent les bobos parisiens, mais pas tout à fait dans l’excellence qui en aurait fait un moment intéressant. Ainsi, le début de la pièce m’a assez ennuyé dans sa façon de parler de la rupture amoureuse en la poétisant, en lui donnant un aspect transcendant et universel. Et pourtant, c’est sur cet universel que le spectacle va ensuite trouver son intérêt ! Car d’une relation l’autre, ce qui fait le lien c’est le corps. Le corps de l’autre, son propre corps, et toutes les interactions qui les lient.

Ça commence avec le corps de la girafe et là on se dit qu’on est très mal parti. Et on voit déjà en creux une position qui me chagrinera plus tard lorsque le texte explique comment la girafe a produit un long cou pour échapper au regard des hommes en ne leur montrant que « son cul ». Le prose est à la limite de l’absurde, à la limite de l a réappropriation du corps de certaines féministes, mais on ne dépasse pas au final un stade assez basique, des propos proches de ceux de l’homme enivré et désespéré que Gamblin joue en regard las « misses » défiler à la télévision dans une autre scène de la pièce (« La caméra atterrit sur la miss, ou l’inverse, je ne sais pas »).
Mais au final, les choses seront moins tranchées. Car le rapport au corps dans ce spectacle, c’est d’abord le rapport au corps de Gamblin, souple. On parle souvent du corps de l’acteur, mais ici il s’agit du corps de l’autre qui s’exprime à travers lui grâce à cette universalité que le texte revendique. Qu’on y adhère ou pas, finalement, cette notion permet une lecture plus intelligente de cette pièce qui développe une façon matérialiste de concevoir le rapport à l’autre (« il y a tellement de centimètres carrés à embrasser dans un corps »). Ce ne sont pas l’absence (« maman, il n’y a personne dans ce lit », « mais si » répond Gamblin mimant alors deux personnages, « dans ce lit, il y a un trou. Il ne lui reste plus rien qu’un trou, à cette personne qui vient chercher ses bords – une fesse, une jambe, etc. ») ni la douleur amoureuse, mais l’altérité des êtres. Ah, malheureusement, l’altérité s’incarne dans ce rapport homme/femme.

On n’interroge pourtant que le corps de la femme. Car le corps du danseur qui monte sur scène en tant que spectateur dans un premier temps n’a pas d’ambiguïté. Il est surtout le corps de la belle performance de Bastien Lefèvre, tranchant et se métamorphosant quand il se met à danser pour transcender le spectateur morne qui monte sur scène et devenir un homme d’une beauté à couper le souffle – on retiendra entre autre le moment où essoufflé après une superbe performance il est dans la lumière, transpirant, dans une attitude très masculine. Cet homme soutient Gamblin, le porte, porte aussi la danseuse, la guide – les gestes sont contemporaines mais la conception est classique.
Le corps de la femme, lui, pose pourtant question. Le choix d’une danseuse aux traits et à la tenue androgyne (en costume cravate, comme ses acolytes masculins) fait d’ailleurs réagir dans la salle. Pourquoi ? Pourquoi encore poser la question de la femme alors qu’on pourrait poser celle de l’homme. Si Gamblin arrive à merveille à être le complice des deux danseurs, à utiliser son corps en osmose avec les leurs et à dialoguer par là autrement mieux que ne le fait le texte de la pièce, que n’a-t-il pas décidé avec le metteur en scène d’essayer les talons qu’il retire à la danseuse ?

Il est vrai cependant qu’une scène emprunte à ce registre, où son corps est en quelque sorte travesti. Gamblin d’utiliser sa veste pour se faire une jupe en la nouant autour de sa taille. Le symbole du costume masculin est détourné (il n’aurait pas osé utiliser la cravate pour cela, il la garde autour du cou). Cette jupe, il doit la tenir avec ses mains pour qu’elle garde sa forme, sinon elle bouffe et l’on se rend compte qu’en fait il s’agit d’une veste attachée par les manches. Ainsi, cette jupe l’entrave s’il veut qu’elle reste une jupe qui le transforme en femme – et on y verra un symbole d’une certaine image sociale que doivent tenir les femmes. A ce moment là, il teste ce qu’il peut fait d’en tant que femme : croiser, décroiser, s’assoir, parler en étant assis(e), etc. Il ne passe pas 24h dans la vie d’une femme, mais quelques instants pour chercher à percer le soit-disant secret incompréhensible… Un peu cliché, un peu féministe, on ne saurait trancher.
La scène se conclue par la remise en ordre des choses puisque Gamblin remet ses vêtements bien sagement et avant de remettre son pantalon encore retroussé au-dessus de ses genoux questionne: « Une femme peut-elle aimer un homme en short ? Et quelle est la bonne longueur d’un short ? » Echo subtile au questionnement de la longueur de la minijupe qu’il avait abordé de manière détournée en traitant par antithèse de la naissance de la cheville de la femme qu’il incarnait quelques instants plus tôt.

La mise en scène de ce spectacle est riche, très riche. Parfois, il y a des ratés et la danse est maltraitée lorsque Gamblin fait sortir les danseurs après quelques mouvements menés avec brio, en passant du coq à l’âne. Elle se finit avec le vide, l’évocation du vide, la volonté se vider de ses mots. Symbole assez intéressant là encore, pour une pièce qui commence avec des bégaiements d’incertitude et réussit à faire passer bien mieux son messages par la danse que par le texte, fut-il dit avec talent.

Gonzague Gauthier

Actuellement chargé de projets numériques au Centre Pompidou, je m’occupe également à titre indépendant de formation et de conseil en stratégie numérique. Vous pouvez retrouver mes articles sur http://www.veculture.com

  

Commentaires Facebook